A diferencia de casi todos los grupos con los que compartieron escena durante los años 80, Depeche Mode logró superar el cambio de década con un álbum considerado hasta hoy como su cumbre creativa. Para una banda de pop electrónico que hizo el camino inverso de la fama, Violator les brindó la credibilidad y el respeto años después de lograr el éxito masivo.

Dividido entre el grupo The Faces y su carrera como solista, el artista alcanzó el reconocimiento con su tercer álbum.

El 14 de diciembre de 1979 aparecía el primer disco doble en la efímera historia del punk. La banda se había propuesto romper los estrechos márgenes de ese estilo incorporando sonidos del tercer mundo aunque sin abandonar su férrea militancia.

Con referencias a su niñez traumática, la indomable cantante entregó un disco que daría los indicios de una carrera llena de altibajos que terminó de forma trágica el pasado 26 de julio cuando fue encontrada muerta en su casa, a los 56 años.

El año 2002, el cantautor lanzó Sea Change, un disco afectado y una suerte de crónica sobre el dolor, el despojo y la separación.

Con este disco inauguraron la nueva década con un sello de elegancia pop y letras cínicas que se transformaría en la marca registrada de su exitosa carrera.

El álbum grabado casi en paralelo con Let it be, se transformó en una obra cumbre de la música popular y, de paso, nos dejó la carátula más icónica en la historia del rock and roll.

En el disco de 1971, cambiaron el sol y las olas de California por la conciencia social y el medioambiente, mientras su líder, Brian Wilson, comenzaba a hacerse a un lado como único gestor del sonido del grupo.

Las atmósferas relajadas y la colaboración de la cantante Beth Hirsch transformaron al disco en un éxito fuera de las fronteras del país, aunque el grupo nunca se sintió cómodo con las comparaciones que hizo la crítica especializada.

Este álbum dejaba de lado la crítica social y se enfocaba en las adicciones y los miedos de Jarvis Cocker, al mismo tiempo que servía como un epitafio para la movida del britpop.

Tras conseguir el éxito mundial en 1991 con “Out of time”, R.E.M tenía la difícil tarea de grabar un nuevo trabajo que estuviese a su altura. En vez de continuar la misma senda decidieron dar un viraje hacia dentro este disco. Un melancólico álbum que es considerado como el mejor de su extensa carrera.

Al mismo tiempo, les permitió sacudirse esa marca de “one hit wonder” que se habían ganado por su sencillo “Creep” y los alejó de esa moda llamada “brit pop”.

El disco “New York” funcionó como una novela de personajes y situaciones que hablaban de una ciudad tan entrañable como decadente: la ciudad que siempre inspiró al fundador de la Velvet Underground.

En 14 canciones, el disco funcionó como una novela de personajes y situaciones que hablaban de una ciudad tan entrañable como decadente: la ciudad que siempre inspiró al fundador de la Velvet Underground.

Provocación, ambición y excelentes canciones fueron los ingredientes claves que hicieron uno de álbumes imprescindibles en la carrera de la artista.

Un receso en su carrera, un viaje por Europa y una serie de desilusiones amorosas configuraron este disco, el trabajo más característico de la artista.

Producido por Brian Eno e influenciado por una gira junto a Neil Young, este disco les otorgó uno de sus éxitos más representativos, que se convertiría en un himno de los años noventa.

Tocando sus propios instrumentos y componiendo su música, el quinteto femenino surgió como una rareza en el mercado y terminó por imponer un estilo visual y musical, ayudado por el flamante canal MTV.

El cuarteto irlandés, que mostraba influencias de los Smiths en sus composiciones, también entregó a la música popular a Dolores O’Riordan, una de las vocalistas más carismáticas de todos los tiempos.

Ese disco, el sexto de la banda californiana, fue lo último que grabó Jim Morrison antes de su muerte y quedó como un testimonio de su legado artístico y personal.

Ese disco, el sexto de la banda californiana, fue lo último que grabó Jim Morrison antes de su muerte y quedó como un testimonio de su legado artístico y personal.

Aunque el álbum se convertiría en el segundo más vendido de su carrera, después de Rumours, el grupo volvió a caer en rencillas personales y adicciones que amenazaron con desintegrar a la banda.

Con este disco la artista británica saludó el nuevo milenio con un testimonio clave y entrañable.

El octavo álbum de la banda se inspiró en el rhythm and blues y en las leyendas del rey Arturo para construir un trabajo conceptual que entregaría su himno más emblemático: More than this.